In diesem Raum werden zwei Werkgruppen von Antonio Mura gezeigt: Holzschnitte und Vorzeichnungen (Kartons).

Die Holzschnitte zeigen das Können des Künstlers als Grafiker. Bei dieser Technik wird ein Holzblock im Relief bearbeitet, wobei die Teile entfernt werden, die nicht zum Motiv gehören. Die so entstandene Druckplatte wird eingefärbt und auf dünnes Papier oder auf Seide gedruckt, wodurch mehrere Abzüge desselben Motivs entstehen können.

Mura gehört zur Gruppe der sardischen Grafiker, zusammen mit Mario Delitala, Battista Ardau Cannas, Remo Branca und Stanis Dessì. Der Holzschnitt ist eine alte, mühsame und „einfache“ Technik, aber zugleich eine edle Kunst, wegen ihrer Unmittelbarkeit und der Schnelligkeit, mit der das Werk Gestalt annimmt.

Viele von Muras Themen, sowohl in Malerei als auch in Grafik, stammen aus den intensivsten Momenten des Neuen Testaments, wie der Kreuzweg, die Pietà oder die trauernden Marien.

Die Vorzeichnungen hingegen sind vorbereitende Zeichnungen, die mit Holzkohle auf feste Unterlagen angefertigt wurden. Sie dienten dazu, die Figuren mittels einer Technik namens „Durchpausen“ (Spolvero) auf die Leinwand zu übertragen: Der Umriss der Zeichnung wurde mit einer Nadel durchstochen, anschließend wurde Farbpulver durch die Löcher gerieben, sodass ein Abdruck zurückblieb.

Diese Kartons zeigen Szenen aus dem Leben des heiligen Antonius von Padua.

Hier empfängt uns die Figur einer jungen Frau mit einem Korb Orangen, fast so, als wolle sie uns in die Bildwelt von Antonio Mura einführen. Eine Welt, die tief in der Identität von Aritzo verwurzelt ist, zugleich aber offen für eine neue und originelle ästhetische Erfahrung, getragen von einer soliden visuellen Kultur.

Das Werk von 1927, Dekorative Figur, zeigt eine majestätische Frau, die zwischen den weißen, von der Sonne erleuchteten Häusern einer Dorfstraße hervorragt. Ihre Konturen sind klar und präzise, während das Licht die weißen Ärmel ihres Hemdes streichelt und in die Falten ihres karminroten Rockes eindringt.

Vor einem dunklen, undefinierten Hintergrund heben sich dagegen die Figuren der Musiker im Gemälde Konzert aus den frühen 1930er Jahren ab. Im Vordergrund offenbart ein Stillleben die verborgene Heiligkeit in der Demut des Alltags: Brot und Wein, eucharistische Symbole, sprechen von Spiritualität und Tradition.

Die weiteren ausgestellten Werke – Figurenkompositionen, Landschaften und Stillleben – zeigen Muras künstlerischen Weg, der von barocken Bezügen des 17. Jahrhunderts bis zu modernen Akzenten reicht. Mit der Zeit wird seine Malerei immer stärker verdichtet, und die Farbe erhält eine Ausdrucksfreiheit, die tiefe Emotionen vermittelt, verwurzelt in einer soliden kulturellen Basis.

In den 1950er Jahren bezeichnete der Gelehrte Nicola Valle diese Kunst als „kompendiarische Malerei“ und erkannte darin die stilistische Entwicklung Muras. Valle, der bereits 1933 Muras erste Einzelausstellung dokumentierte, betonte zudem die Bedeutung der Porträts, insbesondere der Kinder, die er als die Gott am nächsten stehenden Geschöpfe betrachtete.

Antonio Mura widmete der Darstellung der weiblichen Welt große Aufmerksamkeit und Feinfühligkeit. Dieser Saal ist ihr gewidmet. Die Werke entfalten sich wie ein faszinierender Lebensfries, der alle Lebensalter umfasst: von der Kindheit bis ins Alter, über die Jugend voller Hoffnung.

Eine stille, zurückhaltende Hoffnung durchzieht das Gemälde Die Braut aus dem Jahr 1924. Im Jahr darauf wurde es von der Jury ausgewählt und auf der III. Biennale in Rom ausgestellt, neben den Werken großer Meister der Akademie der Schönen Künste.

Im Zentrum der Leinwand kniet eine junge Frau in traditioneller Tracht in der Pfarrkirche San Michele Arcangelo in Aritzo. Hinter ihr verleiht eine ältere Frau dem Raum Tiefe und der Architektur Stabilität. Die dunklen, glänzenden Augen des Mädchens heben sich gegen das Weiß ab, das ihr Gesicht umrahmt, während Rot, Gelb und Blau die gesamte Komposition beleben. In den Händen hält sie einen wertvollen Rosenkranz, mit großer Sorgfalt und Detailtreue gemalt. Dennoch vermittelt die Atmosphäre eine schlichte, vertraute Reinheit.

In den anderen Werken dieses Saales, die die verschiedenen stilistischen Phasen von Muras Schaffen widerspiegeln, fängt der Künstler angedeutete Gesten und leise, kaum offenbare Gefühle ein. Seine Porträts suchen nicht das Äußere, sondern das Wesentliche und offenbaren die Heiligkeit des Lebens selbst. Auch die Szenerien, oft bescheidene häusliche Innenräume, verweisen auf etwas zutiefst Religiöses und Spirituelles.

Wenn das gesamte Schaffen von Antonio Mura ein tiefes Verlangen widerspiegelt, die Harmonie der Schöpfung zu feiern, so findet diese Hingabe in seinen religiösen Werken ihren stärksten Ausdruck. Im Laufe der Jahrzehnte schuf der Künstler zahlreiche Altarbilder, sowohl auf Sardinien als auch in Rom, und 1937 malte er zudem ein Porträt des Kardinals Eugenio Pacelli, des späteren Papstes Pius XII.

Im Mittelpunkt dieses Raumes steht das große Gemälde Die Anbetung am Karfreitag, 1928 entstanden und im darauffolgenden Jahr auf der Primaverile Fiorentina ausgestellt. Die streng aufgebaute Komposition lebt vom Gleichgewicht zwischen vertikalen und horizontalen Linien. Die feierliche und strenge Architektur definiert den irdischen Raum und umfasst zugleich das Geheimnis der göttlichen Zeit – einer Zeit, die nicht messbar ist. Die menschlichen Figuren erscheinen gesammelt, versunken in die Stille eines heiligen Augenblicks: das Ritual, das das Opfer des Kreuzes erneuert.

Der gekreuzigte Christus, Zentrum der Szene, wird zum Brennpunkt des Pathos, das sich durch das gesamte Werk zieht. Neben dem Gemälde sind auch die vorbereitenden Kartons ausgestellt, die den kreativen Prozess des Künstlers sichtbar machen.

Ab 1927 begann Mura, einige seiner Werke mit den Buchstaben BTG zu signieren – ein Akronym für Beata Teresa Jesu – als Hommage an die heilige Thérèse von Lisieux, der er tief verbunden war. Dieses Detail offenbart nicht nur die intime und spirituelle Dimension seiner Malerei, sondern trägt auch dazu bei, viele seiner Werke präziser zu datieren.